杜布菲特(1901-1985)是二战后真正的艺术大师。他不苟同于法国当时的艺术潮流，顽强执着自己的艺术创作个性，以其鲜明的绘画语言特色和肌理表现，在世界艺坛中独树一帜，开拓了完全属于他自己的绘画天地。
杜布菲特强调绘画中的视觉作用，否定传统或现代艺术中的种种清规戒律。他认为，“色彩的调和性的构图原则，并不能使它们获得真正的艺术真谛”。那种试图在一幅画中综合所有的艺术表现形式，必然是不切实际的，其实则是“一种社会时尚的迎合。”他主张，“我们不能只用眼看世界，还要用心智去感受万物。”那样“我们至少可以褪下矫饰的外表，回归事物的本质。”因此，他为了寻找属于自己的艺术语汇，在早期系统地研究精神病者的艺术作品。他发现，病人的那些作品的所谓“荒诞性”，却是人的合理、正常的情绪和需求的表达，人性的直接证据。它们不落俗套，不同凡响，非常动人，再现了艺术的表现机制——无限性熔融于人的思维之中。
杜布菲特大量搜集的这些画作，被他称为Art Brut——意指是一种未加工的，非学院派的，没有被人认为的艺术，是一种最原始的表达。这些痕迹，我们在他50年代初期的大量油画作品中找寻到，尤其是那些颇为鲜活的艺术表现形式，这是诱发“我的艺术创作母体”。
“艺术就是激发我们的想象力，这才使得艺术价值珍贵和永恒。”正是如此，在杜布菲特的作品中，我们可以看到被平面化、去差异化的人物造型。他们有的看上去稚拙、可笑，有的看起来简单且造型夸张，有的甚至使人感到荒诞怪谑。当我不懂美术的朋友在翻看他的画集时，竟惊叹道：“这些画，丑陋的小屁孩们，我都能画出来，幼稚园里的小朋友们都比杜布菲特画得好。”
是的，当不懂欣赏杜布菲特作品的外行观其作品时，总有这类惊讶。而杜布菲特这样解释他的作品：“去掉模特儿的个人特征，使之他们更具有人类特征的共性。”换句话说，他所谓的“共性”，就是使描绘的客体对象有着人类普通意义上的共同特征。它可以依据“人”的特征，从而激发欣赏者的无限想象力;让“想象”联系每一个人的个体特征，这才是艺术所要的语言。”杜布菲特如是说。
杜布菲特早期的作品，以简单的技法，原始的概念，夸张和刻意，表现他的“人物”和“景”。而后期作品则表现出与之前迥然不同，充满复杂性的新风格。这时的油画更注重对肌理的研究。例如《煤灰的景色》则是最好的证明。它有一种砾石的外观，而在它暗暗的颜色之下，掩藏着土尘和煤灰。画上的小道、田野、房子及人物，均以轻描淡写。在暗色的背景上，细线勾画出一种残缺、破损的轮廓边缘。画面也因此充满了可视的触感。杜布菲特的材质绘画，几乎达到了一种以感官去具体理解事物的自然观。说明了材质应用于绘画，往往会产生令人震惊的艺术效果。
从纸本印刷的画册当中，初赏杜布菲特的作品，总让我联想到云南重彩画的表现技法。在表现内容，选择题材方面，我们要学习杜布菲特勇于创新，敢于挑战的无畏精神。人们嗤之以鼻，嘲讽讥笑其弱智的形象，与人的尊严开了一个无聊滑稽的大玩笑，这是对神圣艺术的亵渎。而在这时，他还能坚持自己的创作道路，是需要极大的勇气和信心的。
另外，从绘画的表现技法上，也给现代彩墨画提供了充足的、可资借鉴的养分。杜布菲特别具一格的表现技法，注重对画面肌理的要求和选择，是我们可以借鉴与发扬的。既然是现代彩墨画，我们就应该寻求现代艺术的语汇，找到属于自己的肌理语言，丰富观者的欣赏体验。这也是一个我们值得去钻研探索的方向和目标。
我认为，杜布菲特的艺术成就，关键问题是他的开放思维和创新理念，不拘泥于惯常的、传统的表现形式，而注重形式与技法的创新，也给研习现代彩墨画的我们提出了一个关键问题：你将如何放飞你的思维，表达你想表达的一切。
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